TETSUO

TETSUO (Tetsuo: The Iron Man)


DIRECCIÓN: Shinya Tsukamoto -- Ciencia Ficción / Terror / Cyberpunk japonés-- Japón -- 1989

*SINOPSIS: La película empieza con un hombre (llamado "el hombre" o a veces "el fetichista del metal") abriéndose una enorme herida en la pierna y luego introduciendo un tubo de metal en ella. Luego, al ver gusanos alimentándose de su carne, grita y corre hacia la calle, donde es atropellado por un auto. El conductor del automóvil. al principio conocido como el "trabajador japonés" (el actor de culto Taguchi Tomowro) trata de cubrir su error arrojando el cadáver a un barranco, pero el muerto vuelve a atormentarlo obligándolo a gradualmente sufrir una metamorfosis hasta convertirse en una pila de metal retorcido. Este proceso empieza cuando el conductor encuentra una pieza de metal en su mejilla mientras se afeita. Trata de sacarla, pero se da cuenta que está creciendo desde adentro. La escena pasa a otra donde el conductor está en su casa y recibe una llamada de alguien con quien solo se limitan a repetir : "Hola?" por unos minutos. La primera de las estilizadas escenas de persecución se lleva a cabo en una estación del metro donde el hombre es perseguido por una mujer que ha sido poseída por el fetichista, para luego pasar a ser acosado violentamente por su novia, quien aparentemente también está sufriendo de una mutación parecida. El conductor despierta de este terrible sueño y tiene sexo ella, luego comen y mientras los dientes de ella raspan el tenedor, él, se estremece y perdiendo el control sobre si mismo se convierte en el Hombre de Metal, y convertido en este esperpento fuerza a su novia a tener relaciones una vez más.

El fetichista visita de nuevo al hombre para explicarle por qué son lo que son, y en vez de acabar en una pelea donde uno de los dos sobrevive, ambos se funden en un monstruo que está decidido a acabar con este mundo y crear uno nuevo, donde todo este hecho de metal. 

*Fuente: Wikipedia

La mujer poseída por el fetichista

El hombre es absorbido poco a poco por el metal

La historia que narra Shinya Tsukamoto en Tetsuo podría entrar dentro de muchos géneros, incluso comedia, dependiendo claro, de si el humor negro y violento es lo nuestro. Personalmente me es difícil desconectarme de la historia al punto que me cause gracia, pero creo que es porque el absurdo, en esta película en especial, toma direcciones que yo nunca había visto antes.

Si se dan cuenta, al principio aclaro en el género que no solamente es Cyberpunk, el que en un momento explico, sino que además es necesario el gentilicio "japonés" y no porque se haga en ese país, sino porque se ha vuelto un género por si solo y que poco tiene que ver con el Cyberpunkoccidental. El término Cyberpunk fue acuñado a principio de los 80's por Bruce Bethke. siendo el título de un cuento corto publicado en 1983 y que tenía como temática por un lado un personaje rebelde, casi ermitaño y muy involucrado con el mundo de las computadoras, en una especia de distopía donde se ha perdido toda confianza en los líderes políticos y religiosos y que es controlada por enormes multinacionales. Si, si  acaso se les cruzó por la cabeza, toda la trilogía de Matrix (1999-2003) de los hermanos Wachowsky sigue la línea narrativa del Cyberpunk. Y si deciden aventurarse más, Blade Runner (1982) de Ridley Scott también, incluso Brazil (1985) de Terry Gilliam y La cité des enfants perdus (1995) de Jean Pierre Jeunet y Marc Caro y muchas más. Es por eso que desde ya hay que diferenciar este concepto cuasi futurista-tecnológico-apocalíptico occidental, muchas veces llamado también "tech-noir" por compartir elementos oscuros del film noir de los 40´s; del desarrollado por los japoneses en los ochentas y que está más ligado con el concepto "industrial" que el netamente tecnológico informático. Una diferencia esencial además es que el Cyberpunk japonés es exclusivamente cinematográfico, el occidental nace y se establece en la literatura posmoderna, pasando luego también al cine.

El Cyberpunk se centra en la tecnología como una fuerza de control social

Tetsuo se desarrolla en medio de la sociedad japonesa contemporánea, que como sabemos, es terriblemente industrializada y organizada todavía con una estructura muy similar a la que tenía en la época feudal, claro que adaptada al mondo moderno, es decir, la lealtad que el samurai le debía al shogun se repite en el actual modelo llamado Keiretsu, donde varias empresas se funden como accionarias de las otras que conforman el grupo, como los grandes shogunatos de la antigüedad y los empleados hacen a su vez el papel que cumplían según su jerarquía los samurais, comerciantes, campesinos, etc. De esa manera toda la sociedad se nutre del trabajo de todos y cada uno asume una función cual pieza de reloj en una maquinaria gigantesca, es de acá que surge el miedo: "Y que tal si esta maquinaria cobrase vida y nos comiera a todos", en un sentido metafórico claro, pero de todos modos no muy alejado de la verdad. El fetichista de Tetsuo es aquel que determina su vida según este mundo industrializado, el consumidor compulsivo que llena los vacíos de su vida con los productos que esta maquinaria le ofrece, se espanta de su poder y se siente atrapado, pero no puede escapar, y ante su frustración no puede hacer otra cosa más que forzar a que otros más compartan su infelicidad, El trabajador, al igual que el consumidor forma parte de la maquinaria, pero al un nivel más inconsciente, él solamente produce, desconoce el monstruo que está comenzando a formarse. En un acto inconsciente choca con el fetichista y ante la confusión decide hacer lo más fácil, lo esconde y decide continuar con su vida, pero ya es muy tarde, él también es parte de la maquinaria. Lo que pasa a partir de este momento responde a los delirios frenéticos de Shinya Tsukamoto en la busca de mostrarnos la metamorfosis que sufre el personaje desde un ser dispensable a una máquina viviente y poderosa, reflejo de aquella gigantesca de la que forma parte. 

El Fetichista del metal

En medio de litros de sangre, sexo violento y música industrial estridente, nos embarcamos en un viaje de exactos sesenta y siete minutos que muy poco dejan a la imaginación. La banda sonora está por demás interesante, considerando el bajísimo presupuesto, con efectos que nos harán recuerdo en más de una ocasión a Quentin Tarantino, quien como sabemos, tiene una fascinación especial por el cine asiático. Tetsuo es una película que vale la pena ver por marcar, para muchos, un hito que divide el cine japonés de Akira Kurosawa, Yasujiro Ozu, Hou Hsiao-Hsien; para dar paso a jóvenes con propuestas y discursos distintos como Takashi Miike, Kei Fujiwara (actriz deTetsuo y que luego incursionará en la dirección) y el mismo Shinya Tsukamoto entre muchos otros. Ante el éxito de Tetsuo, The Iron Man dentro de los círculos más fuertes del cine underground, Shinya Tsukamoto decide realizar una segunda parte: Tetsuo, Body Hammer y en mayo de este año estrena una tercera parte: Tetsuo, The Bullet Man.

Sin duda es un director para prestarle atención por lo crudo de sus historias y el constante esfuerzo por renovarse a si mismo en un género que desde su llegada ha proclamado como suyo. Hay quienes comparan Tetsuo con Eraserhead (1977) de David Lynch, pero la impresión que yo tengo es que si por un lado Eraserhead es como el anticipo a una terrible migraña, Tetsuo es la migraña en su peor momento.

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GUMMO

GUMMO

"Prepárate para visitar un pueblo al que jamás quisieras llamar hogar"

DIRECCIÓN:  Harmony Korine -- Drama -- USA -- 1997

SINOPSIS: Un grupo de jóvenes marginales pasan sus días flirteando con la delincuencia y las drogas en Xenia, Ohio, un pueblo devastado por un tornado años atrás y que sigue viviendo en la miseria que este hecho provocó. Estos jóvenes viven como deshechos sociales, como los restos del tornado y sus aspiraciones en la vida pasan por matar gatos de la forma más cruel e inimaginable, robar en tiendas, inhalar pegamento y descubrir la sexualidad aprovechándose de una mujer con deficiencias mentales. Entre estos personajes, encontramos a una madre que quiere que su hijo aprenda a bailar claqué en memoria de su difunto marido; una joven que busca desesperadamente su gato por todo el pueblo y un chico que va paseando por las calles con unas enormes orejas rosas de conejo.

Chloë Sevigny, protagonista y diseñadora del vestuario.

La escena que Werner Herzog asegura, casi lo tira de la silla.

Gummo marca el debut directorial de Harmony Korine, pero que para ese tiempo, al menos dentro del círculo que podríamos denominar como "cine de culto" ya era bastante conocido por el guión de la película Kids (1995) dirigida por Larry Clark. Tal vez marcado por ésta experiencia un poco desagradable, ya que asegura que él hubiera hecho una película totalmente diferente, mucho menos enfocada en juzgar como sucedió con Ken Park (2002), guión suyo, del mismo director y con similares resultados, se siente atraído por la necesidad de contar una historia a su manera, desde su propio punto de vista y con un control total creativo y narrativo para lograr lo que el quiere siempre en sus películas, y es que se desarrollen como una emoción más que como un suceso.

Está ambientada en un pequeño pueblo de Ohio, que fue embestido por un huracán años antes y que por lo visto nunca pudo recuperarse totalmente, en este pueblo hay chicos que durante toda la película reflejan a través de sus actos lo que significa para ellos vivir en un pueblo semi destruido, abandonado de la misma manera cómo ellos se encuentran abandonados por los adultos que en vez de guiarlos o controlarlos, fomentan su comportamiento. El carnicero local, les cambia cadáveres de gatos por latas de pegamento.

El niño con orejas de conejo somos nosotros.

Gummo no sigue una estructura narrativa clásica, porque no la necesita, cada escena es mostrada a manera de viñetas que forman el collage de la vida diaria en Xenia, Ohio. No busca realizar un juicio de valor o ser una crítica ni a los adultos ni a los personajes, por más que sus actos sean del todo condenables, es mas bien la muestra de lo que pasa cuando se empiezan a hacer las cosas solo porque si. De todos modos, Gummo dista mucho de ser una película pesimista, el caos, la violencia, el dolor son cosas que no son ajenas a nuestra propia vida, pero son igualmente necesarios que los momentos de dicha y aparente paz. Un curioso personaje con orejas de conejo se pasea por todo el pueblo como un mudo testigo de la vidas de la gente,  y se vuelve en un punto una víctima de esta violencia, es insultado e intimidado por dos niños que empuñan pistolas de juguete, pero las verdaderas balas están en las palabras que dicen, y que uno no termina de digerirlo hasta más tarde, cuando se da cuenta que no existe maldad en sus actos y en su discurso, simplemente ingenuidad, ignorancia provocada por la ausencia, en este caso, de los padres. Si bien los personajes influenciados por el lenguaje caótico y acelerado producto de los primeros años de MTV no es nueva, ver Natural Born Killers (1994) de Oliver Stone, me parece que la gran diferencia está en que uno se hace participe de la historia y no es solamente bombardeado con información y sonidos estridentes, el soundtrack será seguramente del agrado de los amantes del hardcore punk, black metal, death metal y el grindcore.

La verdadera violencia no está en las armas.

Considero que Gummo no es una película fácil de ver pero que tiene una singular belleza en la honestidad de su relato, se podría decir que no es comprometida en el sentido de que es, por encima de todo, fiel a si misma y sin ninguna intención de tomar partido. Tampoco podría decir que Harmony Korine es la voz de su generación, pero con seguridad es de los pocos artistas que tienen una propia, original en su estilo y estética, es de esos que o los amas o los odias, no existen medios tintes en su obra, y es capaz de mezclar situaciones surreales en un contexto extremadamente hiperrealista, sus otras películas: Julien Donkey-Boy (1999) y Mr. Lonely (2007) lo demuestran. Si están interesados en un cine no convencional, es una muy buena opción, con toda seguridad la sensación de vacío será un denominador común, pero antes de lanzarse y decir que es por la "falta de historia",  tomémonos un par de días para tratar de digerirla, como lo que yo pienso que es, una joyita del cine y un gran aporte de un, también, gran director.

Aconsejo ver también esta entrevista que le hicieron a Harmony Korine para tener una idea de quién es él y cómo piensa.

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CARAMEL

CARAMEL (Sukkar banat)

DIRECCIÓN: Nadine Labaki -- Comedia -- Líbano / Francia -- 2007

SINOPSIS: En Beirut, cinco mujeres se encuentran regularmente en un salón de belleza, un colorido y sensual microcosmos de la ciudad donde varias generaciones se mezclan, conversan y se cuentan todo. Layale (Nadine Labaki) está enamorada de Rabih, pero Rabih está casado; Nisrine (Yasmine Al Masri) es musulmana y su próxima boda se ve afectada por un problema, ella ya no es virgen; Rima (Joanna Moukarzel) se siente atormentada por su atracción hacia otras mujeres, en especial una amable cliente de cabello larguísimo; Jamale (Giséle Aouad) se rehusa a envejecer e inventa todo cuanto puede para poder aparentar algunos años menos y Rose (Sihame Haddad), quien ha sacrificado su vida al cuidado de su hermana mayor y que sufre de algún tipo de demencia. En el salón, sus intimidades y conversaciones giran alrededor de hombres, sexo y maternidad, entre cortes de cabello y depilaciones con caramelo.

Nadine Labaki (directora) y su esposo Khaled Mouzannar (compositor), ambos galardonados por Caramel

Layale en el salón

Líbano es un país que, si bien en los 70´s fue un centro financiero muy importante en el Oriente próximo, al punto de ser llamada la ¨Suiza de Oriente", ha estado involucrado desde hace ya bastantes años con la guerra, tanto interna, con la guerra civil entre libaneses (1975-1990), como externa, con Israel tras su ocupación en 1982 y un choque mas reciente en el 2006. Es por esta razón que tiene una influencia muy fuerte tanto del mundo europeo, como del árabe, conviviendo tanto árabes y musulmanes como cristianos en una sociedad que poco a poco se va levantando nuevamente en busca de prosperidad y una identidad propia. Caramel retrata en este sentido la vida de 5 mujeres, que van buscando su propio lugar y que les urge una necesidad de expresarse libremente, más alla de religiones, leyes y tabúes.

Caramel es una comedia, que intenta mostrar que a pesar de las cicatrices de la guerra, la gente del Líbano vive el día a día con los problemas del día a día y que puede mostrar esa búsqueda por retomar el control total de sus propias vidas sin necesidad de hablar del tema bélico, o mas bien, resumirlo a tal punto que todo se reduzca a una sesión de depilación. Layale, quien trabaja en el salón de belleza donde todo confluye, es una mujer que se ve atrapada en medio del amor que siente por un hombre casado y la ansiedad de conocer a esa mujer que no le permite ser feliz, quiere saber quién es, cómo huele, cómo se viste, qué es lo que tiene que ella no. Nisrine es por otro lado la "afortunada", ella ya encontró el amor, pero se siente aterrada de que su familia y su futuro marido descubran el terrible y oscuro secreto que esconde: ¡la virginidad ya fue! cosa que su familia musulmana tan conservadora en sus valores como cualquier familia católica de este lado del mundo escogida al azar lo es en los cristianos, va a rechazar ni bien haya la mínima sospecha. cabe recalcar que Nisrine ni usa burka, ni reza y probablemente se coma de vez en cuando una big mac con tocino. Ahí es donde entra el resto de la tropa de peluqueras/conspiradoras y la celebra tratando de que no se desanime, ya que, como quien dice: "hecha la ley, hecha la tampa", hay muchas maneras de engañar al marido. Luego está Rima, quien, aparentemente la tiene más difícil, es una mujer que se rehúsa a vestir como debiera vestirse una mujer, a arreglarse como debiera arreglarse una mujer y a que le guste lo que le debería gustar a una mujer, o sea, hombres, pero que es capaz de enamorarse como cualquier mujer lo haría, más aun si es de una bellísima clienta de cabello negro muy largo, que desde la primera vez que entró al salón, parece devolverle el coqueterío. Jamale es la aceituna sobre la torta, o al menos así se siente ella, con sus cuarenta y tantos años encima todavía cree que puede lograrlo como actriz y va de audición en audición compitiendo con chicas a quienes les dobla la edad, pero ella no pierde las esperanzas y se vale de las herramientas que pueda para poder verse más joven, aunque algunas de ellas no le resulten muy bien, es por eso que es una visitante asidua del salón, y que comparte el mismo anhelo que el resto de ellas: resolver sus problemas amorosos, claro que no se da cuenta que es el amor a ella misma el que necesita resolver. El maravilloso quinteto de mujeres lo completa quien yo considero resume el alma de la película, de la sociedad que refleja y, me voy a atrever a decir: de los miedos, las inseguridades, los sueños y la búsqueda de fortaleza que cada mujer enfrenta a lo largo de su vida, más aún estando dentro de una sociedad estrictamente patriarcal. Ella es Rose, una mujer que está entrando en la tercera edad, trabaja de costurera y ha decidido además cuidar de su hermana mayor, quien sufre de un trastorno mental, y que además de recoger papeles de la calle, se dedica a echarle en cara a Rose que está vieja y que no va a encontrar marido. Pero un día, Charles entra en su tienda buscando que le arreglen el traje y le moverá el mundo.

Nisrine, Layale, Jamale y Rima

Por un lado están los miedos que cada una de ellas tiene que afrontar y por otro lado la consecuencias de afrontarlos y que si bien, no podrían existir uno sin el otro, requiere que cada una de ellas se anime a tomar serias decisiones y vea a través de tradiciones, convenciones sociales, inseguridades, mentiras y rutina, cosas que en cierta manera nublan el poder verse como dueñas de sí mismas.

Rose tendrá que luchar por tratar de librarse de una vida que no le gusta, pero a la que ya se ha acostumbrado y de la misma manera como ella tendrá que arreglar el traje de Charles a su medida, tendrá que tratar de reajustar su vida y aprovechar la, quien sabe, tal vez última oportunidad que tendrá de encontrar a su primer amor. Jamale por su lado tiene en una mano al fantasma de la eterna jovenzuela que siempre quiso ser y en la otra a quien es, una mujer madura, hecha y derecha, pero que se está echando a perder en el olvido. Rima tan solo necesita un empujón, pues tiene el carácter suficiente como para no dejarse intimidar con miradas de espanto y que irónicamente encarna la historieta de amor más inocente y casi infantil, de la película. Nisrine es tal vez la crítica más fuerte pues no solamente cuestiona el seguir ciegamente tradiciones, sino que también reclama el poder de decidir sobre nuestro propio cuerpo sin necesidad de darle explicaciones a nadie, pero su lucha no será en contra de los valores conservadores de su familia, sino en contra de su actitud sumisa hacia ellos. Por último Layale, viva encarnación del amor inocente y entregado, de la mujer que se arregla, se viste y se peina para su hombre, de la que está dispuesta a pasar por todos los dolores por él, tendrá que aprender que no siempre es color de rosa y que si de verdad desea enamorarse y enamorar a un hombre tendrá que dejar de atender el teléfono cada vez que él llama o salir cada vez que él le toca la bocina.

Nadine Labaki, directora y protagonista

Sin ningún parecido necesario a alguna película de Almodovar, cada personaje femenino de Caramel se vuelve único y parte al mismo tiempo de todo un entretejido de emociones diarias, comunes pero que no dejan de ser complejas para quienes las están viviendo. Desde Layale hasta Rose nos dejan ver que existe un mundo bastante intrincado pero no por eso menos entretenido dentro de cada mujer y que poseen las armas que necesitan para tomar el control en cualquier momento. Como decía antes, todo puede reducirse a una simple sesión de depilación, pero prefiero no decir más y vean la película, así me van a entender.

La sesión...

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HUNGER

HUNGER
"Una odisea, en donde los gestos más pequeños se vuelven épicos y cuando el cuerpo es el último recurso de protesta"


DIRECCIÓN: Steve McQueen -- Drama -- Reino Unido / Irlanda -- 2008


Ganadora del premio Cámara de Oro en el Festival de Cannes 2008

SINOPSIS: Raymond Lohan sigue su rutina normal: un hombre ordinario que cumple la función de carcelero en la prisión Maze en Irlanda del Norte, 1981. Trabaja en uno de los infames "H-Blocks" donde prisioneros republicanos han iniciado la protesta de la sábana y también han decidido no lavarse. Un infierno para ambos, carceleros y encarcelados.

Un nuevo prisionero joven, Davey Gillen es introducido en este ambiente por primera vez. Si bien está aterrado, se niega a usar el uniforme de interno, ya que no es un prisionero común. Sumándose a la protesta de la sábana, comparte una celda inmunda con otro prisionero republicano inconforme, Gerry Campbell. Gerry, curtido frente a los horrores de la vida en Maze, guía a Davey a través de la rutina diaria, le enseña como esconder cosas e intercambiar comunicación con el mundo fuera de la cárcel, pasándosela al líder de su bloque Bobby Sands en la misa dominical.

Los prisioneros son persuadidos de aceptar la oferta de ropa de civil por parte del régimen penitenciario, señal de una potencial victoria en su lucha por conseguir el status político, pero en su lugar se burlan de ellos entregándoles ropas de payaso. Una revuelta se inicia y en medio del caos los prisioneros destruyen las celdas limpias a las que acaban de ser trasladados. La revuelta es mitigada violentamente en medio de golpizas y oscultaciones. La violencia se esparce más mas allá de Maze: ningún oficial está seguro y Raymond es asesinado.

Bobby Sands se reúne con el padre Dominic Moran. Una vez que la ironía inicial es superada, Bobby revela que piensa liderar una nueva huelga de hambre con el fin de conseguir un status especial para los prisioneros republicanos. La conversación inmediatamente se intensifica en una batalla de palabras que ilumina la intención de los prisioneros de iniciar la nueva huelga y el cuestionamiento del padre acerca de los motivos y la moral. Bobby está decidido y la huelga va a comenzar.

Más tarde, Bobby Sands es trasladado a un ala de hospital mientras su condición empeora y es visitado por sus padres y un amigo. Bobby Sands será la primera de diez muertes.

Bobby Sands (Michael Fassbender) se distrae haciendo cigarrillos con pedazos del libro Lamentaciones de la Biblia

Es importante saber, antes de comenzar, que Steve McQueen no tiene un background cinematográfico típico, si bien es conocido por sus films él viene del mundo del arte y por lo tanto el acercamiento que tiene a la temática que trata en sus obras no es el convencional. Esto le da a toda la película no solamente un toque impecable, sino también podemos estar seguros de que cada instante ha sido pensado en su totalidad. Carece de un arco aristotélico común y corriente y es uno de sus atractivos, no porque sea un collage que nosotros tengamos que armar al estilo de Memento (2000) de Christopher Nolan, sino que viola de la manera mas exquisita los cánones que definen una típica narración en tres actos. Tal vez por esto me tome el, seguro alguno dirá, atrevimiento de poner una sinopsis donde cuento el final, pero, más allá de que sea un acontecimiento histórico y lo que le sucede a Bobby Sands se sabe, lo hago porque la película probablemente de lo último que trata es de la huelga de hambre de Maze en 1981.

Escena de la entrevista entre Bobby y el padre Dominic en un solo plano fijo de 16 minutos

El uso de metalenguajes en el cine no es nuevo obviamente, y probablemente este concepto nunca lo fue en realidad, es decir, la subjetividad que hay en la simple decisión de dónde colocar la cámara para armar un plano responde no solamente a una necesidad narrativa, sino también a una propuesta estética y aunque cueste creerlo y/o aceptarlo, especialmente cuando no se tiene el presupuesto para tumbar una pared y ampliar el espacio, responde también a circunstancias que se salen de nuestras manos. Es en este sentido que muchas veces los directores toman la decisión de incorporar cosas que ayuden a fortalecer la idea central, muchos de estos elementos no necesariamente los notamos y pueden ser desde colores hasta cosas que suceden dentro del cuadro pero en un segundo o tercer plano y esto se usa en el arte desde los comienzos de la historia.

Steve McQueen, muy consciente de las infinitas posibilidades que este recurso ofrece, se vale de un momento histórico muy fuerte en la historia de Irlanda y que todavía permanece en la memoria colectiva de su gente y aprovecha para introducirnos en una reflexión muy profunda sobre la libertad, la identidad, el manejo del poder, la violencia y la muerte, todos en un relato que no podría ser más actual.

Usualmente asociamos la libertad como el estado en el que uno no depende mas que de si mismo, no tiene ataduras y para más allá de satisfacer nuestras propias necesidades no van nuestros esfuerzos. Esto viene a partir de discursos políticos que se basan en realidades históricas donde una persona o un grupo se encontraban sometidos a los deseos e intereses de otros, muchas veces, si es que no siempre, de manera violenta. Este es el tipo de violencia que identificamos en la película y que es perpetrada por los carceleros, quienes a su vez cumplen órdenes de alguien y que curiosamente solo escuchamos su voz como un eco que retumba en las frías paredes de Maze, este personaje es Margaret Thatcher, a quien no vemos nunca y sin embargo es quien encabeza esta larga cadena sucesiva de amos y esclavos. En una situación así uno puede creer que la libertad bajo el concepto clásico no puede ser posible, que no existe mayor encierro que el del cuerpo y que no se puede ser "libre" si se está tras rejas. El gran giro que tiene la historia está en el hecho de que aun dentro de la cárcel, existen cosas que no pueden estar bajo el control de este amo invisible, y responden únicamente a una decisión personal: "no voy a comer lo que me dan y asumo un castigo voluntario dentro del castigo impuesto". Esto provoca un caos general dentro de una estructura que estaba segura de tener el control total de todo porque de repente se vuelven víctimas de su propio sistema y eventualmente cederán a las demandas que estos presos exigían. La gran pregunta está en si la libertad depende íntegramente de no tener un amo/jefe/carcelero, o en la posibilidad de escoger conscientemente a quien se va a obedecer, ya sea una persona o una idea o como en este caso, ponerse al total servicio de nuestra propia fuerza de voluntad.

El actor Michael Fassbender (der.) al servicio del director

La violencia y el manejo del poder son dos temas que van de la mano y están profundamente relacionados uno con el otro. El poder por un lado se refleja en la película en forma de una voz, que controla, acusa y castiga a todo el que ose contradecir su voluntad, y aquel que lo haga, será controlado por medio de violencia, más que como un castigo a una sola persona, como un ejemplo para miles, convirtiéndose entonces en una herramienta y por lo tanto posible de ser utilizada por cualquier bando en cualquier momento, es acá donde se muestra que la única manera de transpolar este poder es ejerciendo un grado de violencia igual o mayor ocasionando que la rueda gire y se convierta en un monstruo que crece más y más con un efecto de bola de nieve. La única manera de que pare será cuando uno de los dos al final ceda o sea aniquilado, la tesis sobre el poder que se maneja en la película gira entorno a la idea de no ejercer una violencia sobre el otro sino sobre uno mismo, con la intención de una búsqueda de fortaleza y así no necesitar apropiarse del poder ajeno sino desarrollar uno propio. Es cierto que luego la misma dinámica se repite, pues la forma de violencia que aplica sobre si mismo Bobby se traduce en un hambre voluntaria y el cuerpo reacciona violentamente con dolor en busca de restaurar el orden, puede incluso modificarse radicalmente en busca de supervivencia hasta que al final dejará de funcionar y morirá. 

Precisamente la muerte es otro de los temas de los que se habla en Hunger y llega a ser muy fuerte pero no por lo explícito, pues bastante de eso hay en géneros como la porno-tortura (Saw, Hostel, etc.), sino irónicamente en la naturalidad con la que se la muestra, sabemos que la extrema inanición lleva a fallos crónicos e irreparables en todos los órganos de nuestro cuerpo y eso provoca la muerte, somos conscientes de eso pero sin embargo nos aterramos mientras vemos cómo Bobby se conduce a si mismo a 200 km/h a través de un callejón sin salida ante la mirada aparentemente indiferente de sus padres y mientras Bobby es escogido como representante en el parlamento. Pero, ¿Por qué nos provoca tal sensación?. Lo que nos aterra es que vemos a la muerte como un fin, ese callejón sin salida donde nos quedaremos atrapados para siempre, mucho de ello contribuido por la iglesia, pero esa es otra historia; cuando el director nos muestra que la muerte es un proceso que no debiera ser un tabú, sino mas bien la transición a una nueva etapa que nos es desconocida y si esa es la razón por la que le tenemos miedo, debería ser la misma razón por la que no deberíamos temer. De las cosas que no conocemos o nos ocupamos o no nos ocupamos, pero preocuparnos, no tiene mucho sentido. Es así que Bobby no solo reafirma en la muerte su libertad, sino también muestra la importancia de un acto corporal como algo profundamente revolucionario y discursivo y también cuestiona la validez de ese cuerpo como reflejo de una identidad real. Yo soy porque decido, incluso por encima del cuerpo, de los sistemas, de las reglas y de la vida misma, Bobby no se estrella contra el muro del callejón, sino que lo atraviesa y hace de su muerte la expresión máxima de su libertad. 

Steve McQueen nos expone ante la antiquísima postura filosófica del perderse totalmente para encontrarse, el dejar de ser para ser y la necesidad de una revolución de pensamiento que se traduzca en acción. Él al igual que muchos artistas se anticipan a lo que podría significar seguir siendo parte de los mismos sistemas obsoletos, pero no mediante un discurso "light" y fácil de digerir, sino mediante una crítica muy fuerte y un llamado urgente. El artista de verdad tiene la ventaja de que lo arriesga todo en cada obra y muere en cada una de ellas. Hunger no solo es una historia, no es simplemente una película, sino es la voz de toda una generación que se está empezando a hacer escuchar, es un ejemplo de vida y una obra definitivamente visionaria.

Michael Fassbender redefine el concepto "compromiso con el personaje"

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